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‎Soulages. Papiers.‎

‎<p>Catalogue officiel de l'exposition Pierre Soulages, les papiers au Musée Picasso d'Antibes du 20 février à fin juin 2016. Pierre Soulages (né en 1919 à Rodez) est reconnu comme l'une des figures majeures de l'abstraction. Ses tableaux noirs ont été exposés dans les plus grands musées du monde. Mais c'est tout particulièrement à son œuvre sur papier - à l'origine domaine réservé de l'artiste pour expérimenter de nouvelles pistes de recherches - que veut rendre hommage le musée Picasso d'Antibes. Cette exposition rassemblera un certain nombre de papiers provenant de collections publiques et privées, également du musée Soulages de Rodez, ou encore conservés par l'artiste et dévoilés au public pour la première fois. Pierre Soulages (né le 24 décembre 1919 à Rodez), « peintre du noir et de la lumière , est reconnu comme l'une des figures majeures de l'abstraction.Sa carrière artistique débute en 1947, avec une première exposition à Paris, au Salon des Surindépendants, où il présente des toiles abstraites. Ces œuvres, aux tonalités sombres, attirent l'attention de Picabia qui lui prédit : « Avec cela, vous allez vous faire beaucoup d'ennemis. Picabia se trompait.Après plus de soixante-cinq ans de création, Soulages s'est imposé comme le plus grand peintre de la scène française actuelle, comme l'un des principaux représentants de la peinture informelle. Ses tableaux noirs (un noir qu'il appelle « noir-lumière ou « outrenoir ) ont été exposés dans les plus grands musées du monde. A 96 ans, Pierre Soulages poursuit son œuvre.Mais c'est tout particulièrement à celle sur papier que veut rendre hommage le musée Picasso d'Antibes, à travers cette exposition et son catalogue qui l'accompagne.Car à côté de sa pratique de la peinture sur toile, Pierre Soulages, depuis ses débuts, développe une œuvre parallèle et complémentaire sur papier, que ce soit en utilisant le fusain, le brou de noix, la gouache, l'encre, l'acrylique ou le graphite. « C'est avec les brous de noix de 1947 que j'ai pu me rassembler et obéir à une sorte d'impératif intérieur. La vérité est que je me suis senti contraint par l'huile. Je l'avais pratiquée avant guerre et je ne savais ce qu'elle imposait comme contraintes. Par impatience, un jour, dans un mouvement d'humeur, muni de brou et de pinceaux de peintre en bâtiment, je me suis jeté sur le papier. Ce travail sur papier était à l'origine le domaine réservé de l'artiste pour expérimenter de nouvelles pistes de recherche. La donation en 2005 au musée de Rodez de plus d'une centaine de dessins a révélé au grand public l'extraordinaire diversité de cette production.L'exposition du musée Picasso d'Antibes rassemblera autour d'un important ensemble issu des collections du musée Soulages, un certain nombre de papiers provenant de collections publiques et privées, ou encore conservés par l'artiste et dévoilés au public pour la première fois. </p> Paris, 2016 Hazan 159 p., relié. 17,5 x 22,5‎

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‎Jasmina Cibic. Stagecraft.‎

‎<meta charset="utf-8"><p data-mce-fragment="1">Pour Jasmina Cibic, artiste-chercheuse, chaque projet de film est une occasion de se plonger dans les archives, dans leurs témoignages comme dans leurs silences, afin de révéler la relation qu’entretient toute forme de pouvoir, qu’il soit étatique, gouvernemental, partisan ou diplomatique, avec les arts. Pour l’exposition « Stagecraft – une mise en scène du pouvoir », présentée au macLYON du 15 septembre 2021 au 2 janvier 2022, Jasmina Cibic a rassemblé plusieurs années de recherches consacrées à la notion de don dans le contexte diplomatique. Le film<span data-mce-fragment="1"></span><em data-mce-fragment="1">The Gift</em><span data-mce-fragment="1"></span>(2019-2021), montré pour la première fois dans sa version complète, est un voyage cinématographique qui explore l’usage de la culture en tant que don politique à l’heure des crises identitaires européennes. La nation est brisée et afin qu’elle guérisse, un cadeau parfait doit être offert à ceux qui la composent, un don qui saura dépasser des divisions profondes en temps de crise politique et idéologique.</p><p data-mce-fragment="1">Le catalogue de cette exposition rassemble les essais de Matthieu Lelièvre, commissaire de l’exposition, et d’iLiana Fokianaki, commissaire, critique d’art et éducatrice basée à Athènes et Rotterdam, ainsi que le synopsis du film<span data-mce-fragment="1"></span><em data-mce-fragment="1">The Gift</em><span data-mce-fragment="1"></span>et une présentation des personnages et lieux de tournages. Une riche iconographie, composée des vues de l’exposition au macLYON et d’une sélection importante d’archives sur lesquelles Jasmina Cibic s’est appuyée pour concevoir<span data-mce-fragment="1"></span><em data-mce-fragment="1">The Gift</em>, complète cet ouvrage.</p> Paris, 2023 Bernard Chauveau 192 p., illustrations couleur, cartonnage éditeur. 18,5 x 27,5‎

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‎Marie Laurencin. 1883-1956.‎

‎ 1993 Fondation Pierre Gianadda - 1993 - In-8, broché couverture illustrée - 216 pages - Nombreuses illustrations et reproductions photographiques en couleurs et en N&B in et hors texte - Cent oeuvres des collection du Musée Marie Laurencin au Japon - Catalogue de l'exposition du 27 novembre 1993 au 6 mars 1994‎

‎Bon état - Menus frottements sur la couverture ‎

‎Baselitz.‎

‎<meta charset="utf-8"><p data-mce-fragment="1"><meta charset="utf-8"><span>L'exposition «Georg Baselitz» est la première rétrospective de l'artiste allemand de renommée internationale à Paris.</span></p><p data-mce-fragment="1">Elle réunit, chronologiquement, sous la direction de Bernard Blistène et avec la complicité de Georg Baselitz, les œuvres les plus marquantes de l'artiste: des premières peintures et du manifeste de Pandémonium au début des années 1960 à la série des Héros, des compositions fracturées aux motifs inversés à partir de 1969, en passant par des ensembles successifs d'œuvres dans lesquelles l'artiste expérimente magistralement de nouvelles techniques picturales. Les chefs-d'œuvre des six dernières années ont également une place spéciale dans l'exposition.</p><p data-mce-fragment="1">A travers de nombreux écrits et conférences, Georg Baselitz a renouvelé tout au long de sa carrière l'écriture de manifestes dans l'art, offrant de précieux témoignages sur ses inspirations, et participant ainsi à la création de son propre mythe.<br data-mce-fragment="1">Le catalogue de l'exposition comprend: un long entretien avec l'artiste, un essai inédit de Philippe Lançon, journaliste de Charlie Hebdo, récompensé de nombreux prix tels que le Femina en 2018, une anthologie de textes, une importante chronologie et le corpus des œuvres exposées.</p> Paris, 2021 Centre Pompidou 304 p., cartonnage éditeur. 24 x 31‎

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‎Bacon en toutes lettres.‎

‎<p>Le Centre Pompidou poursuit la relecture des œuvres majeurs du 20ème siècle et consacre une vaste exposition à Francis Bacon. La dernière grande exposition française de cet artiste eut lieu en 1996, au Centre Pompidou. Plus de vingt ans après, « Bacon en toutes lettres réunit des peintures de 1971 - année de la rétrospective que lui consacrent les galeries nationales du Grand Palais - à ses dernières œuvres en 1992. L'exposition du Centre Pompidou s'attache aux œuvres réalisées par Bacon durant les deux dernières décennies de son oeuvre. Elle comporte soixante tableaux (incluant 12 triptyques, ainsi qu'une série de portraits et d'autoportraits), issus des plus importantes collections privées et publiques. De 1971 à 1992, (date du décès du peintre), la peinture est stylistiquement marquée par sa simplification, par son intensification. Ses couleurs acquièrent une profondeur nouvelle, il use d'un registre chromatique inédit, de jaune, de rose, d'orange saturé. Le propos du catalogue traite tout particulièrement du puissant lien entre les œuvres de Bacon et la littérature. En outre, les triptyques font l'objet d'une présentation exceptionnelle sous forme de dépliants, permettant de prendre conscience de leur impact visuel et de leur parenté, sous un angle littéraire inattendu. </p> Paris, 2019 Centre Pompidou 242 p., 250 illustrations, relié. 23,5 x 31‎

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‎Or.‎

‎<p>Le catalogue de l'exposition, biface comme une pièce d'or, révèle les multiples couleurs du parcours de l'exposition en croisant les cartes blanches d'auteurs et les notices de conservateurs sur les oeuvres majeures de l'exposition. Il en explore le revers, plus sombre, en faisant dialoguer les textes contemporains et antiques, classiques et inédits, d'auteurs, historiens, sociologues, archéologues, économistes, poètes, mathématiciens, circulant dans le temps et entre les disciplines, avec la fluidité que l'or impose - suivant la voie tracée par Rimbaud : « J'ai tendu des cordes de clocher à clocher ; des guirlandes de fenêtre à fenêtre ; des chaînes d'or d'étoile à étoile, et je danse. « Avec les contributions inédites de Philippe Claudel, Sinzo Aanza, Clarisse Prêtre, Sylvain Pattieu, Mérab Mikeladzé, Sophie Bava et Sylvie Bredeloup, Patrick Popescu-Pampu, Pascal Saffache, Vincent Baggioni, Jan Blanc, Philippe Jockey et Marcel Tavé ; En dialogue avec des textes d'Hésiode, Voltaire, Stefan Zweig, Pline l'Ancien, Hérodote, Ovide, Bernard Maris et Gilles Dostaler, Plutarque, Shakespeare, Mistral, Cendrars. </p> Paris, 2018 Hazan 288 p., broché. 18 x 27,5‎

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‎Mecaro. L'Amazonie dans la collection Petigas.‎

‎<p>Mecarõ, pensé à partir de la collection de Catherine Petitgas, réunit plus de cent œuvres d’une cinquantaine d’artistes du bassin amazonien de 1960 à nos jours. Signifiant «l’esprit de la forêt en langue krahô, le titre de l’exposition prend la forme d’une invocation, il révèle l’ancrage des artistes à leur terre et leurs traditions. Ce catalogue richement illustré réunit des textes écrits spécialement pour l’exposition : la commissaire indépendante Kiki Mazzucchelli, l’anthropologue Pedro de Niemeyer Cesarino et la commissaire et critique d’art Claire Luna ont chacun porté un regard singulier sur l’Amazonie et les pratiques artistiques contemporaines de ces lieux insaisissables. Deux entretiens avec Catherine Petitgas et l’artiste Sol Calero complètent l’ouvrage. Artistes de l'exposition : Armando Andrade Tudela, Claudia Andujar, Brígida Baltar, Alberto Baraya, Milena Bonilla, Vivian Caccuri, Sol Calero, Patricia Camet, Tania Candiani, Carolina Caycedo, Chelpa Ferro, Lygia Clark, Donna Conlon, Alexandre da Cunha, José Damasceno, Elena Damiani, Tatiana Echeverri Fernandez, Sandra Gamarra, Ximena Garrido-Lecca, Gego, Anna Bella Geiger, Sonia Gomes, Beatriz Gonzáles, Claudia Jaguaribe, Lucia Laguna, Tonico Lemos Auad, Oswaldo Maciá, Teresa Margolles, Beatriz Milhazes, Paulo Nazareth, Maria Nepomuceno, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander, Lucia Nogueira, Hélio Oiticica, OPAVIVARÁ!, Nohemí Pérez, Solange Pessoa, Lucia Pizzani, Manuela Ribadaneira, Abel Rodríguez, Ivan Serpa, Valeska Soares, Clarissa Tossin, Erika Verzutti, Danh Vo and Luiz Zerbini. </p> Montpellier, 2020 Silvana Editoriale 183 p., broché. 17 x 27‎

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‎Modernités suisses.‎

‎<p>Formés en France, en Allemagne ou en Italie pour certains, en lien avec les avant-gardes européennes, les artistes suisses explorent la puissance expressive, symbolique ou décorative de la ligne et de la couleur, tout en s'attachant à des sujets puisés dans une histoire et une culture nationale suisse en train de s'inventer, avec pour contexte l'affirmation du jeune Etat fédéral, créé en 1848.</p><p>Ces peintres et ce moment fécond de l'art en Europe restent pourtant profondément méconnus hors de Suisse. L'exposition a pour ambition de faire découvrir des oeuvres pour l'essentiel jamais montrées en France. Elle réunit quelques 70 chefs-d'oeuvre de la période provenant essentiellement de collections publiques et privées suisses. Plutôt qu'un panorama exhaustif, l'exposition invite à la découverte de personnalités artistiques inconnues en France et à la délectation de tableaux exceptionnels.</p><p>Le catalogue de l'exposition restitue l'évolution de la peinture suisse des années 1900 dans son contexte historique et met à l'honneur ses protagonistes comme les collectionneurs, critiques d'art, médiateurs et marchands d'art.</p> Paris, 2021 Flammarion 256 p., cartonnage éditeur. 21 x 28‎

‎Neuf‎

‎Jean Tschumi. Architecte.‎

‎<p>À la suite d’une donation exceptionnelle de plus de 300 dessins à la Cité de l’architecture &amp; du patrimoine en 2019, grâce à la générosité de Bernard Tschumi, l'exposition retrace le parcours de Jean Tschumi, l'un des architectes et enseignants suisses les plus complets du XXème siècle. De ses débuts de décorateur au concours pour le siège de l'Organisation mondiale de la Santé, on découvre une architecture pensée comme un art total, à la croisée des leçons décoratives des années 1930, de l'héritage moderne de Perret et des modèles américains de fonctionnalité et de confort des années 1950.</p><p>Le catalogue ouvre également ses pages aux contributions de spécialistes, tant français que suisses, de tous domaines où Jean Tschumi démontra son envergure internationale : histoire de l’architecture, de l’urbanisme, des arts décoratifs, de la construction et du patrimoine ; et qui font aujourd’hui de son oeuvre l’enjeu d’une révélation au grand public.</p><p>La richesse, l’exigence et le sérieux du contenu, tant iconographique que textuel, permet à cet ouvrage monographique d’être considéré comme une documentation complète inédite sur cet architecte.</p><p>À travers l’exposition et son catalogue, l’enjeu est de produire un fort impact visuel qui contribue à la réhabilitation de cette architecture moderne du second XXe siècle, pour une grande part encore méconnue. L’élégance des dessins, plans, et la puissance plastique de l’architecture de Tschumi, soutient largement la comparaison avec celle des ténors français, européens et américains du moment, et permet de relever ce défi.</p> Paris, 2021 Bernard Chauveau 311 p., cartonnage éditeur. 24 x 29‎

‎neuf‎

‎Robert Delaunay, Exposition du 17 décembre 1946 au 17 janvier 1947.‎

‎ Galerie Louis Carré/ Librairie La Hune, 1946, 1 volume de 125x155 mm environ, 29 pages+15 planches, broché sous couverture à rabats. Dos insolé avec infimes frottements, sinon bon état.‎

5 Images

‎Le poème de Guillaume Apollinaire dont l'épreuve d'imprimerie, corrigée de sa main, est reproduite ici dans la présente monographie, a été écrit, en 1912, pour Robert Delaunay et publié pour la première fois dans le catalogue de son Exposition à la galerie Barbazargues. Incorporé ensuite dans le recueil "Calligrammes" il est donné ici avec la courtoise autorisation de M. Gaston Gallimard. Merci de nous contacter à l'avance si vous souhaitez consulter une référence au sein de notre librairie.‎

‎Moirignot, aimer, créer, rêver, 1913-2002. Exposition du 24 août au 26 septembre 2006. Catalogue raisonné photographié par Diego Porcel.‎

‎ FVW Editions, 2006, 1 volume grand in-4 de 143 pages, cartonnage de l'éditeur sous jaquette illustrée. ‎

‎A la pointe de l’art. Du dessin au timbre-poste. Les coulisses de la création.‎

‎<p>L'exposition intitulée « À la pointe de l'art » sera la troisième exposition temporaire du musée depuis sa réouverture. Au coeur de cette exposition se trouve le timbre-poste ; en effet, les collections philatéliques constituent le fonds le plus important du musée. Cependant, le sujet de l'exposition portera moins sur les aspects techniques du timbre que sur la création de l'oeuvre à proprement parler. En effet, en plus d'être une estampe, le timbre reste l'une des plus petites surfaces de création qui existent au monde mais aussi l'une des plus diffusées. Aussi, les dessins originaux et les poinçons gravés d'artistes seront au coeur du propos. En plus des timbres eux-mêmes, le musée conserve dans le cadre du dépôt obligatoire des archives du timbre-poste français des milliers de pièces témoignant du processus créatif conduisant à l'émission d'un timbre : les esquisses et dessins préparatoires, les épreuves d'impression, essais de couleurs ou poinçons gravés.<br>L'idée première est de démontrer que, bien que le timbre soit une oeuvre de commande régie par un cahier des charges strict, la place accordée au geste de l'artiste reste très présente. Le parcours de l'exposition sera ainsi ponctué de neuf portraits de dessinateurs, graveurs, peintres, illustrateurs, tous créateurs de timbres et ayant des carrières artistiques et parcours très différents. C'est une manière pour le Musée de La Poste de valoriser la création philatélique et de l'ancrer dans le vaste domaine de l'histoire de l'art. À côté des peintures d'Henry Cheffer ou estampes de Pierre Albuisson, le visiteur découvrira les gravures héraldiques de Sarah Bougault, les sculptures de Jacques Jubert, les peintures sur ivoire de Pierrette Lambert, les bandes dessinées de Pierre Forget, l'univers fantastique de Thierry Mordant et Ciou, ainsi que le monde foisonnant de détails et d'histoires de Jean Delpech.<br>Le timbre-poste est une surface de création à la fois unique et pour autant connue de tous. Ce support artistique voyage et nous fait voyager. Depuis les années 1960, la série artistique, imaginée par André Malraux pour mettre l'art à portée de tous les Français, a su s'imposer et c'est donc tout naturellement que certains des plus grands artistes se sont approprié le timbre-poste pour nous proposer de merveilleuses créations. Tomi Ungerer, Victor Vasarely, Raoul Ubac, Jean-Michel Folon, Salvador Dali, Roger Bezombes et bien d'autres se sont prêtés à l'exercice et le résultat est toujours impressionnant.</p> Gent, 2021 Snoeck 184 p., broché. 23 x 28‎

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‎Peintres femmes - 1780-1830 - Naissance d'un combat.‎

‎<meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">En 1765, pour la première fois, les Nouvelles de la République des Lettres et des Arts, dans la Revue du Salon de la correspondance pour les sciences et les arts, faisaient paraître une section intitulée « femmes peintres ».</span><br data-mce-fragment="1"><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">En s'attachant à une période, 1780-1830, où en France comme en Europe se multiplient les artistes femmes de renom - Élisabeth Vigée Le Brun, Adélaïde Labille-Guiard, Anne Vallayer-Coster, Marguerite Gérard, Gabrielle Capet, Marie-Geneviève Bouliard, Marie-Victoire Lemoine, Rose Ducreux, Constance Mayer, Angelika Kauffmann, Anna Dorothea Therbusch, etc. - cette exposition met au contraire en lumière les conditions historiques, culturelles et sociales qui ont inscrit dans cette désignation de « femmes peintres » un paradoxe, l'idée que ces deux termes</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">ne pourraient jamais en faire qu'un parce qu'à l'un et à l'autre s'attachaient des jugements, des valeurs, des représentations incompatibles.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Ce catalogue réunit des œuvres et des documents qui permettent d'appréhender comment - c'est-à-dire dans quelles conditions et selon quelles stratégies - des peintres, parce que de sexe féminin, ont dû apprendre le métier, investir la scène artistique, construire leur carrière, forger leur personnage public.</span><br data-mce-fragment="1"><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Exposition au Musée du Luxembourg du 3 mars au 4 juillet 2021</span> Paris, 2021 Rmn 208 p., nombreuses illustrations, cartonnage éditeur. 18,5 x 28‎

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‎Jean Dubuffet. Rétrospective.‎

‎<meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">La magnifique rétrospective Jean Dubuffet présentée à la Fondation Pierre Gianadda, en collaboration avec le Centre Georges-Pompidou à Paris, propose une relecture du travail du grand défenseur de « l'Art Brut ». Bien qu'il ait, paradoxalement, refusé la culture dominante, les écoles, les courants et les techniques enseignées, son oeuvre occupe une place majeure dans le paysage artistique de la seconde moitié du XXe siècle.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">De par sa diversité, cette exposition témoigne de l'inépuisable créativité de cet artiste prolifique - né en 1901 et décédé en 1985 - qui sut faire évoluer son style tout au long de son existence. Érigeant le non-savoir en principe pour créer une oeuvre singulière, rythmée par des séries successives, Jean Dubuffet ne cessa de développer</span><span id="js-showResume" class="showResume" data-mce-fragment="1">de nouvelles recherches aux « tonalités » audacieuses, toujours déconcertantes. Insoumis aux normes en vigueur, « le vrai art », selon lui, « est toujours là où on ne l'attend pas. Là où personne ne pense à lui ni ne prononce son nom. » Riche de plus de dix mille oeuvres répertoriées au catalogue raisonné, le travail polymorphe de Jean Dubuffet couvre six décennies du XXe siècle. Aussi, pour rendre compte de tous les aspects de sa création, l'exposition présentée à la Fondation Pierre Gianadda s'articule autour de temps forts, faisant alterner chefsd'oeuvre de sa peinture et ensembles majeurs de travaux sur papier (dessins et gouaches), présentés selon un déroulement chronologique.</span> Martigny, 2021 Fondation Pierre Gianadda 143 p., broché. 22 x 24‎

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‎Une Modernité hollandaise. La collection Singer.‎

‎<p>L'exposition « Une modernité´ hollandaise : la collection Singer est le fruit d'une collaboration du musée d'Art moderne de Troyes avec la Fondation Singer a Laren aux Pays-Bas. Une sélection d'environ quatre-vingts ouvres troyennes est présentée a la fondation permettant ainsi au public néerlandais de découvrir une nouvelle facette de la modernité française des XIXe et XXe siècles collectionnée par Pierre et Denise Lévy dont la donation est à l'origine du musée. De son côté´, le musée d'Art moderne de Troyes accueille quatre-vingt-quinze peintures, sculptures et dessins, issus également d'une collection privée, celle de William et Anna Singer, donnant l'occasion au public français de saisir la modernité hollandaise de cette même période. L'exposition révèle l'influence de mouvements français tels l'école de Barbizon ou l'impressionnisme sur le renouvellement de la peinture de paysage hollandaise, le développement de l'école de Laren ainsi que l'éclosion des avant- gardes au début du XXe siècle qui conduisent notamment aux théories du mouvement De Stijl. Ce catalogue accompagne cet évènement en reproduisant l'intégralité des ouvres exposées.</p> Gent, 2016 Snoeck 176 p., 190 illustrations couleur, broché. 24 x 28‎

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‎Bonjour monsieur Courbet.‎

‎<p>A l'occasion du bicentenaire de la naissance du peintre Gustave Courbet (1819-1877), le musée Fabre consacre une exposition à l'un des chefs d'œuvres de l'artiste La rencontre, dit Bonjour M. Courbet (1854). Le tableau peint à l'occasion de la venue de l'artiste à Montpellier à l'invitation du collectionneur et mécène montpelliérain Alfred Bruyas en 1854 est l'une des œuvres phares de la collection ainsi qu'un jalon essentiel dans l'histoire de la peinture au XIXe siècle. Cette exposition propose une analyse approfondie de l'œuvre à travers trois axes : - un retour sur les sources iconographiques du tableau (imagerie populaire, pensée sociale utopique...) - sa réception critique au XIXème siècle (caricatures, compte-rendu d'exposition) - et la relecture contemporaine de l'œuvre par des artistes de premier plan qui depuis les années 1990 se sont approprié le tableau (le musée conserve notamment une œuvre de François Morellet). L'exposition sera inaugurée en 2019, anniversaire du bicentenaire de la naissance de l'artiste qui sera également célébré par le musée d'Orsay et le musée Courbet à Ornans </p> Paris, 2019 Snoeck 255 p., relié 16,5 x 23‎

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‎Girodet face à Géricault ou la bataille romantique du Salon de 1819.‎

‎<p>A l'exposition du Salon de 1819 s'affrontent le «Pygmalion et Galatée« de Girodet, emblème de l'esthétique de l'école néoclassique, et le «Radeau de la Méduse« de Géricault, porte-drapeau d'une avant-garde esthétique. Le duel est au coeur de la bataille romantique qui se fait jour alors et qui animera les Salons suivants. C'est cet événement majeur de la scène artistique française que l'exposition et le catalogue dédiés se proposent de commémorer autour des figures célèbres de ces deux artistes. L'ouvrage offre un panorama de la richesse et de la diversité de l'art français post révolutionnaire –? néoclassicisme, romantisme, anacréontisme, orientalisme, autonomie du paysage, renouveau de la peinture religieuse ? –, mais aussi des innovations techniques comme la lithographie. Les rapports entre les pouvoirs politiques et les artistes ainsi que le développement et l'importance de la critique sont détaillés pour dresser un juste portrait de ce que fut ce moment historique.</p> Paris, 2019 Lienart 400 p., relié. 25 x 28,5‎

‎Neuf‎

‎Furûsiyya. L'art de la chevalerie entre Orient et Occident.‎

‎<p>Le catalogue de cette exposition explore les origines de la chevalerie ainsi que le rôle des chevaliers au combat et les différents codes chevaleresques qui se sont développés à travers le monde. La représentation de l’Orient, à travers une attention particulière à l’Irak et à la Syrie, sera mise en regard avec la France et l’Espagne pour la partie occidentale. Découvrez comment l’esprit chevaleresque s’est déployé dans le monde et comment certains de ses codes perdurent de nos jours à travers une rare collection de plus de 130 œuvres du Xe jusqu’au début du XVIe siècle, parmi lesquelles des armes spectaculaires, des armures exceptionnelles et de précieux manuscrits. L'exposition se place dans une double perspective. Elle s'insère dans l'un des axes majeurs de la politique scientifique et culturelle du Louvre Abu Dhabi, qui vise à mettre en lumière les croisements entre les cultures, sans nier les différences ou les oppositions. Elle s'inscrit par ailleurs dans la saison « Art et société du musée émirien. </p> Leuven, 2020 Snoeck 208 p., relié. 24 x 28,5‎

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‎Matisse, comme un roman.‎

‎<p>Avec plus de 200 œuvres et documents provenant autant de la riche collection matissienne du Musée national d'art moderne que de grandes collections nationales et internationales, cette exposition retrace la carrière de l'artiste selon un parcours chronologique, de ses débuts vers 1890 au contact des maîtres pendant lesquels il élabore progressivement son propre langage pictural, jusqu'au début des années 1950. Le catalogue de l'exposition emprunte les codes de l'édition d'Henri Matisse, roman de Louis Aragon, et se déploie autour de cinq essais et d'une ample chronologie / anthologie illustrée et enrichie de nombreuses citations et documents inédits, afin de « bâtir le roman du peintre Matisse et de son œuvre, à la manière d'une biographie. La monographie est complétée par un petit cahier de reproductions de la revue Verve à laquelle l'artiste a activement contribué. </p> Paris, 2020 Centre Pompidou 328 p., cartonnage éditeur. 21 x 27‎

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‎L'Invention du surréalisme. Des champs magnétiques à Nadja.‎

‎<p>En 1918, un groupe de jeunes poètes traumatisés par la Grande Guerre explore des confins de la psyché et de la création jusqu'alors ignorés. C'est le mouvement du surréalisme dont cet ouvrage retrace la naissance et les premières années. L'année 2020 marque le centenaire de la publication des Champs magnétiques, « première oeuvre purement surréaliste « et moment de rupture majeur dans le domaine de la création littéraire. Ce texte d'André Breton et Philippe Soupault marque en effet la naissance de l'écriture automatique. Cette première exposition consacrée au surréalisme organisée à la BnF est centrée sur les années de jeunesse du mouvement, au moment où, sur les décombres de la Première Guerre mondiale, émerge un besoin radical de liquidation des valeurs passées et de renouvellement des formes d'expression. Le catalogue édité à cette occasion propose des éclairages inédits de ces pages fascinantes et révèle au grand public, avec des analyses neuves, certains des « trésors « de la BnF, comme le manuscrit de travail des Champs magnétiques (1919) ou celui de Nadja, réputé perdu, tout récemment retrouvé (l'une des plus importantes acquisitions patrimoniales de ces dernières années, jamais encore exposé). Si l'accent est mis sur le traitement novateur apporté par le surréalisme à l'écrit et au langage, la place est aussi faite à une grande diversité de supports, afin de rendre compte de la poétique surréaliste dans sa globalité. Les quatre sections - Guerre et esprit nouveau, Rêve et automatisme Manifestes et provocations, Amour et folie : Nadja, l'âme errante - qui rythment l'exposition structurent l'ouvrage, chacune organisée autour d'un document littéraire exceptionnel, auquel répondent tableaux, dessins, photographies, films, costumes, objets. Une vision kaléidoscopique pour restituer l'aventure de cette génération de poètes qui, au lendemain d'une expérience barbare, cria son dégoût pour le monde dans des éclats de rire sauvages. </p> Paris, 2020 224 p., broché. 16 x 23‎

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‎Aventuriers des mers. VIIe-XVIIe siècle.‎

‎<p>De Sindbad le marin à Marco Polo, puis d’Ibn Battûta et Vasco de Gama jusqu’aux Compagnies des Indes orientales, d’extraordinaires récits de voyages ont conté la richesse des échanges maritimes entre les mers de l’Ancien Monde. Cette exposition, qui ouvrira ses portes à l’Institut du Monde Arabe en novembre prochain, puis au MuCEM dès le mois de mai 2017, et son catalogue conduiront le visiteur et le lecteur au croisement de l’or d’Afrique et de l’argent d’Occident, des diamants de Golconde et des verreries de Venise, des porcelaines, des soieries et des épices venues de Chine et des Moluques. Loin de faire obstacle entre les hommes et les civilisations, les mers et les océans sont des espaces partagés qui permettent d’aller à la rencontre des autres, et de commercer avec eux. Après avoir longtemps pensé la mer comme un espace périlleux, les hommes ont ensuite appris à surmonter leurs craintes pour mieux y voyager, en développant de multiples savoirs tout d’abord empiriques, bientôt revisités par les progrès techniques et le développement des connaissances scientifiques. Forts de ces acquis, les navigateurs sont allés toujours plus loin, plus sûrement et plus vite pour étendre et resserrer la trame des réseaux d’échanges. Cette exposition sera ainsi centrée sur les voyages et les routes maritimes parcourues par des marins, des voyageurs et des marchands, tous à la recherche de fortunes à faire, d’âmes à convertir, de nouveautés à découvrir. À l’heure où l’intensification des processus de mondialisation interpelle les sciences humaines, cet ouvrage présente une histoire globale de l’Ancien monde. Tout en reliant entre elles les différentes histoires des cités, des États et des empires, il témoigne de leurs échanges, de leurs relations et, finalement, de leur convergence dans une histoire connectée. </p> Paris, 2017 Hazan 224 p., broché à rabats. 20,3 x 26‎

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‎Ulysse. Voyage dans une Méditerranée de l’égendes.‎

‎<p>Ulysse, voyage dans une méditerranée de légendes vise à démontrer l'in- fluence de ce personnage sur la culture occidentale et l'histoire des arts.<br>Le récit du périple d'Ulysse constitue en effet une formidable source iconographique : toutes sortes de symboles sont en jeu, évoquant à la fois les divinités de la nature, la condition de l'homme et son lien avec le monde qui l'entoure. C'est également un socle philosophique et narratif universel : chaque lieu, chaque personnage de l'histoire sont le prétexte à une interrogation profondément liée à l'humanité. La longévité du texte attribué à Homère ne cesse de surprendre. Son appropriation est conti- nuelle : dans le langage courant, où l'on retrouve le vocabulaire issu de l'œuvre, comme dans les arts visuels, dans la musique et les arts vivants, pour lesquels l'Odyssée est une inépuisable source d'inspiration.<br>L'exposition, et le catalogue qui l'accompagne, sont pensés comme un voyage dans les pas d'Ulysse autour de la Méditerranée. Sculptures, céramiques, objets d'art, dessins, photographies, tableaux, couvrant une période allant de l'Antiquité à nos jours, mais aussi installations contem- poraines spécialement conçues pour l'exposition, montreront de quelle manière les styles et les formes employés par les artistes tout au long de l'histoire se construisent, résultant parfois de syncrétismes inatten- dus liés aux changements des mentalités et aux évolutions esthétiques. Car l'Odyssée construit un cheminement visuel qui permet de replonger dans toute la succession des styles dans l'histoire de l'art occidental.</p> Paris, 2021 RMN 143 p., très nombreuses illustrations couleur, broché. 22 x 26‎

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‎United states of abstraction. Artistes américains en France. 1946-1964.‎

‎<p>L'exposition « United States of Abstraction. Artistes américains en France, 1946-1964 » est organisée par le Musée d'arts de Nantes, où elle sera présentée au public du 11 février au 23 mai 2021, et le Musée Fabre de Montpellier, où elle sera présentée du 3 juillet au 17 octobre.<br>Le rôle de Paris comme capitale mondiale de l'art occidental depuis le 19e siècle est bien connu, et il est également considéré comme un fait établi que la Ville lumière perd cette prééminence après la Seconde Guerre mondiale au profit de New York. Pourtant, l'on sait également que de très nombreux artistes, peintres, musiciens et écrivains américains, hommes et femmes, ont continué à venir étudier et créer en France. Plusieurs centaines de jeunes artistes, musiciens et écrivains américains, hommes et femmes, ont séjourné à Paris après la Seconde Guerre mondiale et jusque dans les années 1960. Certains comme Joan Mitchell en 1955 se sont installés en France définitivement. Plus de 400 artistes ont en particulier utilisé la bourse du GI Bill, qui permettait à tout ancien combattant de financer ses études, en venant s'inscrire aux écoles d'arts et académies parisiennes entre 1946 et 1953. Certains artistes comme Ellsworth Kelly, arrivé en France en 1948, étudièrent à l'École de Beaux-arts, tandis que d'autres fréquentèrent avec plus ou moins d'assiduité les ateliers de la Grande Chaumière auprès de Fernand Léger ou d'Ossip Zadkine. Ils venaient pour des raisons diverses : l'attrait culturel de Paris, ses musées et ses maîtres, l'attrait de l'Europe, l'aventure de vivre correctement et sans réelle contrainte grâce à la bourse, la recherche d'une plus grande liberté, l'envie d'être ailleurs, d'être à Paris comme sur une île. L'exposition explore cette intense présence et la manière dont elle a contribué à la redéfinition de l'art abstrait en France à un moment où la géographie mondiale de l'art était bouleversée. Elle est organisée en trois chapitres, qui se retrouveront également dans le catalogue.<br>La première section, « Les autres de l'Art autre : les Américains autour de Michel Tapié », examinera les oeuvres réunies par le critique Michel Tapié, que ce soit dans des expositions de groupe (comme Véhémences confrontées à la galerie Nina Dausset en 1951, Les Signifiants de l'informel en 1952 ou Un art autre au Studio Facchetti la même année) ou dans des publications de la première moitié des années 1950. Ces événements constituent une passionnante tentative de rapprocher une série d'oeuvres abstraites en dehors de considérations nationales, mais autour des idées d'expressivité, de peinture gestuelle ou automatique abstraite. Plusieurs peintres américains, Jackson Pollock, Willem De Kooning, Mark Tobey, Claire Falkenstein, Alfonso Ossorio y sont associés et mis en rapport avec Wols, Jean Dubuffet, Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle.<br>Le second chapitre, « Paris , une île pour les artistes américains? », regroupera plusieurs coloristes abstraits, comme Sam Francis, Joan Mitchell, Shirley Jaffe, mais aussi Kimber Smith, Norman Bluhm ou Beauford Delaney, qui trouvèrent en France un lieu de liberté et de créativité, sans pour autant établir de liens forts avec les artistes français du groupe de l'abstraction lyrique, à l'exception du peintre canadien Jean-Paul Riopelle. Ils revendiquent une forme de solitude, et utilisent la capitale française comme un lieu stimulant pour la création mais néanmoins étrangement apatride. Leurs oeuvres ont en commun des formes flottantes, de grande échelle, aux coloris intenses.<br>Le dernier chapitre, « Nouvelles voies de l'abstraction géométrique : ombre, hasard, mouvement », étudiera comment les artistes Ellsworth Kelly, John Youngerman, Robert Breer et Ralph Coburn, en relation avec certains de leurs aînés comme Jean Arp ou Alexander Calder et avec certains de leurs contemporains (François Morellet), ont profondément renouvelé l'abstraction géométrique dans le Paris de l'après-guerre.</p> Gent, 2021 Snoeck 288 p., broché. 23 x 29‎

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‎Face à Arcimboldo.‎

‎<p>Mis en scène par le duo M/M, dont le travail graphique propose littéralement au lecteur de faire face à Arcimboldo, l’ouvrage mêle aux essais de Chiara Parisi et d’Anne Horvath, co-commissaires de l’exposition, ceux de deux spécialistes du Maniérisme, Patricia Falguières et Antonio Pinelli. Il invite également Yasha David à un échange sur sa collaboration avec Pontus Hultén lors de l’exposition historique conçue en 1987 au Palazzo Grassi, L’Effet Arcimboldo. Donatien Grau compose une chronologie commentée de l’époque d’Arcimboldo à nos jours et Maurizio Cattelan un manifeste en guise de conclusion.</p><p>Le mythique essai de Roland Barthes, « Arcimboldo, Rhétoriqueur et Magicien » (1978), est, de manière exceptionnelle, intégralement republié dans le catalogue.</p> Metz, 2021 Centre Pompidou Metz broché. 28 x 34‎

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‎Ecole de Pont-Aven. Variations sur la ligne.‎

‎<p>Cet ouvrage a pour ambition de mettre en lumière, à partir de la collection du musée, la part de l'intime, de l'instinctif autant que la dimension préparatoire dans le processus créatif des artistes apparentés au mouvement dit "l'Ecole de Pont-Aven" et au synthétisme. La sélection des oeuvres sur papier révèle une certaine liberté du geste, propre à chaque artiste. Généralement prémices aux huiles sur toile plus abouties, les croquis révèlent l'intention première, la part d'inconscient préalable à la traduction plastique de lignes et de formes.<br>La variété des techniques présentées dans l'exposition démontre aussi l'appétence du groupe pour le travail de l'estampe conjuguée à des choix souvent audacieux de papiers aux diverses finitions. La célèbre exposition au café Volpini, présentée à l'Exposition Universelle de 1889, regroupait entre autres deux séries de zincographies, sur papier jaune, réalisées pour l'occasion par Gauguin et Bernard.<br>L'exposition présentera plusieurs exemplaires originaux. Les jeux de correspondances mais aussi de répétitions de motifs seront explorés à l'aune de personnages déclinés dans plusieurs oeuvres. Les artistes se sont aussi consacrés au travail illustratif pour plusieurs revues de l'époque comme l'Ymagier, revue littéraire illustrée fondée par Remy de Gourmont et Alfred Jarry, en octobre 1894. Avant-propos par Laurence des Cars, présidente des musées d'Orsay et de l'Orangerie.</p> Milan, 2021 Silvana Editoriale 111 p., broché. 18 x 26‎

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