2907 books for « catalogue exposition »Edit

‎Vincent Van Gogh en Provence- Catalogue; Exposition Musée REATTU‎

‎ 1951 ARLES,ST.REMY; Mai 1951, In huit, (60p)non paginé, broché, 14 illustrations ht,, Exposition ‎

‎bon état. ‎

‎L'art au temps des Rois Maudits: Philippe le Bel et ses fils (1285-1328).‎

‎<p>Deux règnes ont marqué l'histoire de l'<a href="https://www.universalis.fr/encyclopedie/art-gothique/">art gothique</a><span></span>en France, celui de Saint Louis (1226-1270) et celui de CharlesV (1364-1380). Entre les deux, une sorte de hiatus s'est instauré: l'éclosion des grandes cathédrales est alors terminée, le style rayonnant poursuit ses raffinements sans se renouveler véritablement, le génie créateur des artistes semble s'épanouir hors du royaume. Beaucoup d'œuvres françaises de cette époque sont ainsi approximativement datées «fin du<span></span><span class="pc">XIII</span>^e-début du<span></span><span class="pc">XIV</span>^esiècle» ou «première moitié du<span></span><span class="pc">XIV</span>^esiècle». L'<a href="https://www.universalis.fr/encyclopedie/exposition/">exposition</a><em>L'Art au temps des rois maudits. Philippe le Bel et ses fils, 1285-1328</em>, présentée au Grand<span></span><a href="https://www.universalis.fr/encyclopedie/palais/">Palais</a><span></span>du 17mars au 29juin 1998, a donc apporté une contribution majeure à la connaissance de la production artistique de cette période. Elle complétait remarquablement l'exposition<span></span><em>Les Fastes du gothique, le siècle de Charles</em><em>V</em><span></span>(Grand Palais, 1981), qui débutait avec l'avènement des Valois, en 1328. Les œuvres présentées et le catalogue, articulé en douze sections qui vont de l'architecture aux armes, ont permis de découvrir un art inventif et ont apporté des repères chronologiques plus précis.</p><p>Certes, l'architecture religieuse n'a plus le dynamisme qui la caractérisait auparavant, bien que l'on bâtisse alors des églises étonnantes, telles que la cathédrale d'Albi ou la collégiale de Mussy-sur-Seine (Aube). L'architecture civile prend le relais. À<span></span><a href="https://www.universalis.fr/encyclopedie/paris/">Paris</a>, le palais de la Cité par exemple, construit pour Philippe le Bel, reflète les changements institutionnels de son règne et rassemble, non seulement la Sainte Chapelle de LouisIX et la demeure du souverain, mais aussi les organes du pouvoir politique, administratif et judiciaire. Celui-ci était évoqué dans l'exposition par des statues de personnages assis, découvertes à l'occasion de travaux dans le sous-sol du palais en 1899 et présentées pour la première fois au public.</p><p>La multiplication des statues en ronde bosse, dans le décor intérieur et extérieur des édifices civils et religieux, constitue en effet une des particularités de l'art du début du<span></span><span class="pc">XIV</span>^esiècle. Certains ensembles, dispersés à la suite de démolitions, comme celui des anges de Saint-Louis de Poissy, ont pu être reconstitués. D'autres, notamment les admirables statues commandées par Enguerrand de Marigny pour la collégiale Notre-Dame d'Écouis et exécutées vers 1310-1313, ont bénéficié d'une mise en valeur éblouissante. La sculpture, comme les autres arts, montre que le roi, sa famille et son entourage ont exercé un mécénat qui a favorisé nettement une prédominance de l'art parisien. Les documents de comptabilité et d'imposition conservés indiquent cependant que les artistes qui exerçaient à<span></span><a href="https://www.universalis.fr/encyclopedie/orchestre-de-paris/">Paris</a><span></span>venaient d'horizons très divers.</p><p>En outre, des foyers provinciaux ont coexisté sans heurt et ont fait preuve de vitalité, du nord de la France au Midi et de la Normandie à la Lorraine et à la Bourgogne. Dès l'entrée de l'exposition, une cohorte d'anges en bois des régions septentrionales accueillaient ainsi le visiteur, avec une grâce souriante. Pour les sections les plus importantes –sculptures, arts précieux, manuscrits à peintures– les centres de production ont été distingués, de même que les rares artistes connus. Pépin de Huy, sculpteur de la comtesse Mahaut d'Artois, et les peintres maître Honoré et Jean Pucelle étaient représentés par la plupart des œuvres qui leur sont attribuées. Le nord de la France, de la Normandie au Hainaut, a été particulièrement productif et très influencé par le milieu parisien. Les régions de l'Est et de la Bourgogne, et surtout le Languedoc, ont connu un art plus original, qui s'observe aussi bien dans l'atelier de sculpture de Mussy-l'Évêque (Aube) que dans le reliquaire de la Vraie Croix d'Albi ou dans les manuscrits toulousains.</p> Paris, 1998 RMN 460 p., nombreuses illustrations, relié sous jaquette. 23 x 31‎

‎Occasion‎

‎Trésors de Venise, la collection Cini.‎

‎<meta charset="utf-8"><div class="productStrate__raw summaryStrate__raw" data-mce-fragment="1"><p data-mce-fragment="1">Catalogue officiel de l’exposition<em data-mce-fragment="1">Trésors de Venise, la Collection Cini<span data-mce-fragment="1"></span></em>à l’Hôtel de Caumont d’Aix-en-Provence du 19 novembre 2021 au 27 mars 2022. L'Hôtel de Caumont - centre d’art d’Aix-en-Provence fait voyager ses visiteurs à Venise en présentant une sélection des chefs-d’oeuvre de la collection Cini, l’une des plus importantes collections d’art ancien italien. Les peintures, sculptures, dessins et objets précieux présentés et reproduits dans cet ouvrge, font partie de l’un des plus prestigieux ensembles d’art italien, du XVIe au XVIIIe siècle, réuni par l’entrepreneur et philanthrope Vittorio Cini (Ferrare 1885 – Venise 1977). En 1951, ce dernier crée la Fondation Giorgio Cini, centre de recherche et formation de réputation internationale, intitulé à la mémoire de son fils, décédé prématurément.<br data-mce-fragment="1">Aujourd’hui, la collection Cini est répartie entre la Galerie du Palazzo Cini, ancienne résidence du collectionneur sur le Canal Grande, et l’important siège de la Fondation Giorgio Cini, sur l’île vénitienne de San Giorgio Maggiore. À côté des grands noms de la peinture toscane - Botticelli, Fra Angelico, Filippo Lippi, Piero di Cosimo - et vénitienne, comme Lorenzo et Giandomenico Tiepolo, l’exposition présente des pièces maîtresses de la Renaissance ferraraise. Complétée par une sélection de sculptures, émaux et ivoires, ainsi que par un choix de dessins et enluminures, l’exposition et le catalogue qui l'accompagne rendent compte de toute la variété technique et stylistique d’une époque florissante de l’art italien, ainsi que du goût raffiné de l’un de plus importants collectionneurs italiens du XXe siècle.</p></div> Paris, 2021 HAZAN éditeur. 192 p., Broché. 14 x 28 cm‎

‎neuf‎

‎Monory - Catalogue Exposition : Les Sables d'Olonne, Chartres et Dole (1998 - 1999)‎

‎Presses d'Offset Cinq Editions en Vendée, 1998. In-8, carré. Cartonnage éditeur avec photo NB. 102 pages. Reproductions couleurs en hors texte légendées. Petites photos NB . Biographie. Catalogue de l' exposition qui eut lieu aux Sables d'Olonne, à Chartres et à Dole de septembre 1998 à mai 1999. Très bon état. ‎

‎BOTERO. Aquarelles et dessins. ‎

‎ Catalogue d’exposition à la galerie Claude Bernard en mars 1976. In-12, 18.5 x 12.5 cm cartonnage illustré de l’éditeur, (70 pages). Texte de Severo Sarduy en français et en espagnol. 41 reproductions hors texte en noir et en couleurs. Pâles rousseurs sur les tranches.‎

‎Le Pérugin. Maître de Raphaël.‎

‎<p>Considéré par ses contemporains comme l'un des plus grands peintres d'Italie, Pietro Vannucci, dit le Pérugin (vers 1430-1323), a initié pendant les dernières décennies du XVe siècle et les premières du XVIe siècle une nouvelle manière de peindre. Son art cristallin, aux couleurs harmonieuses et aux lumières théâtrales, a suscité un très grand engouement, faisant de lui l'un des représentants majeurs de la Renaissance italienne. L'exposition Le Pérugin, Maître (le Raphaël met en lumière les apports essentiels de ce peintre à l'art et la culture de son époque, grâce aux prêts exceptionnels des plus grands musées italiens, européens et américains. Le raffinement des compositions, l'attention portée à l'harmonie des couleurs et au modelé des corps témoignent (le son exceptionnelle maîtrise technique. Inventeur de nouvelles règles picturales, le Pérugin a créé un langage artistique qui va se diffuser clans toute l'Europe. Réunissant la cinquantaine d'oeuvres présentées clans l'exposition, ce catalogue est publié sous la direction de Vittoria Garibaldi, ancienne Surintendante pour les Biens historiques, artistiques et ethnoanthropologiques de 1'Ombrie et commissaire générale de l'exposition. Il retrace les grandes étapes de la carrière du Pérugin, de sa formation, marquée par la peinture florentine de la seconde moitié du XVe siècle, à ses grands succès à Rome et Pérouse. Figure artistique aussi importante qu'originale, le Pérugin a exercé une influence majeure sur ses contemporains, en particulier sur le jeune Raphaël. </p> Bruxelles, 2014 Fonds Mercator 230 p., relié sous jaquette. 25 x 28,5‎

‎Neuf‎

‎Mucha.‎

‎<meta charset="utf-8"><br><meta charset="utf-8"><meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">Alphonse Mucha (1860-1939), artiste tchèque exilé à Paris après une formation à Prague et à Vienne, fut un témoin et un acteur majeur de l'effervescence de la Bohème artistique parisienne. Le « style Mucha » est mondialement célèbre et emblématique de l'Art nouveau, mouvement européen de grande ampleur que cet artiste contribua largement à créer. L'exposition revient bien sûr sur cette première période de l'artiste, lorsque Mucha travaille pour le théâtre et la publicité à Paris, mais entend également rendre compte de la diversité de son œuvre de peintre, dessinateur, sculpteur ou photographe.</span><br data-mce-fragment="1"><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">L'introduction générale du catalogue de l'exposition, écrite par la commissaire de l'exposition, Tomoko Sato, retrace la carrière de cet artiste aux multiples facettes. Chaque essai explore ensuite un axe précis de sa personnalité artistique. Antoine Marès donne les clés du contexte géopolitique de l'Europe de l'Est à cette l'époque et révèle l'implication artistique de Mucha dans le patriotisme slave. David Jumeau-Lafond explore les influences symbolistes, théosophiques et franc-maçonnes de son œuvre. Enfin, Véronique Vienne étudie l'efficacité extraordinaire du langage graphique de cette œuvre multiple. Une chronologie mettant en perspective la carrière de Mucha avec les événements de son temps clôt l'ouvrage.</span><br data-mce-fragment="1"><br><div class="ProductDetails-body" data-mce-fragment="1"><div id="ProductDetails-body" data-mce-fragment="1"></div></div> Paris, 2018 RMN 248 pages, 250 illustrations couleur et N/B., broché. 20,5 x 32‎

‎Neuf‎

‎L'Art dans les années 30 en France. Catalogue de l'exposition au Musée d'Art et d'Industrie, Saint-Etienne, Mars-Mai 1979.‎

‎ Saint Etienne, Musée d'Art et d'Industrie, 1979, in 4° broché, 142 pages ; importante iconographie en noir ; couverture illustrée. ‎

‎ ...................... Photos sur demande ..........................‎

‎Rubens, Van Dyck, Jordaens et les autres. Peintures baroques flamandes au Musées Royaux des Beaux Arts de Belgique.‎

‎<p>Le Musée Monet Marmottan et les Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique ont conclu un accord de partenariat exceptionnel visant à valoriser leurs collections réciproques au travers d’expositions temporaires qui éclairent à chaque fois un aspect particulier de celles-ci. L’exposition Rubens, Van Dyck, Jordaens… et les autres. Chefs-d’œuvre de la peinture flamande baroque des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique en constitue le premier volet. L’exposition propose une sélection de quarante et un tableaux des anciens Pays-Bas méridionaux du « Siècle d’Or qui regroupe tous les grands genres, de la peinture d’histoire à la nature morte, en passant par le portrait, la scène de genre et le paysage dans lesquels les artistes du Nord excellaient. Les œuvres ont été choisies à la fois pour leur représentativité et leur haute qualité. Certaines sont des acquisitions récentes ou font le voyage à Paris pour la première fois. L’exposition est accompagnée d’un catalogue richement illustré qui comprend, outre les notices détaillées de chaque œuvre écrites par les conservateurs des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, une introduction sur la formation de la collection et un essai original sur l’engouement du public français, dès le XVIIe siècle, pour la peinture des anciens Pays-Bas méridionaux, qui fit dès lors l’objet d’échanges commerciaux intenses entre Anvers, Amsterdam, Bruxelles et Paris.</p> Paris, 2012 Hazan 192 p., 50 illustrations, broché. 22,5 x 28‎

‎Neuf‎

‎Salah Stétié et les peintres.‎

‎<p>Poète libanais ayant choisi d écrire en français, Salah Stétié occupe une place considérable dans la poésie contemporaine. Au carrefour des cultures arabe et européenne dont il a été simultanément nourri, il est l auteur d une uvre poétique abondante et dense, à laquelle s ajoutent de nombreux essais, traductions de poètes arabes, textes sur l art... En quête perpétuelle d un espace de rencontre, de conciliation, dans une Méditerranée plurielle, il est assurément l un des plus éminents représentants de ces deux rives d un monde dont l actualité ne cesse d être en mouvement. L exposition qui lui est consacrée propose un regard d ensemble sur ses liens avec les artistes. Au cours des trente dernières années, Salah Stétié a publié près d une centaine de livres réalisés en collaboration avec de nombreux peintres, parmi lesquels figurent notamment Alechinsky, Tapiès, Zao Wou-Ki, Kijno, Jan Voss ou, tout dernièrement Viallat, Woda... Ils sont ici intégralement rassemblés - éditions originales, éditions limitées aux côtés de manuscrits du poète et de nombreuses uvres des quelque soixante-dix artistes qui ont collaboré à ces publications. Dans un ouvrage de 352 pages, nous retrouverons l intégralité des de ses éditions originales, éditions limitées aux côtés de manuscrits du poète et de nombreuses oeuvres... Parallèlement à l exposition présentée au Musée Paul Valéry, une exposition de la toute récente donation Salah Stétié est organisée à Paris par la Bibliothèque Nationale de France du 5 mars au 14 avril 2013. A cette occasion, une collaboration entre le Musée Paul Valéry et la Bibliothèque Nationale de France permet de présenter les deux expositions dans le même catalogue SALAH STÉTIÉ ET LES PEINTRES. </p> Sète, 2013 350p., illustrations couleur. Broché couleur. 24 x 29 cm‎

‎Neuf‎

‎L'OR DES CAVALIERS THARCES-TRESORS DE BULGARIE ‎

‎ MONTREAL 1987 broché, 320p.ill.en noir et en coul. ‎

‎LA BULGARIE MEDIEVALE- art et civilisation ‎

‎ GRAND PALAIS 1980 IN8 br;illustré ‎

‎1843... GUSTAVE DORÉ, ÂGÉ DE 11 ANS, ARRIVAIT À BOURG-EN-BRESSE .1963, LA VILLE DE BOURG-EN-BRESSE PRÉSENTE L'OEUVRE DE DORÉ. EXPOSITION 15 JUIN - 15 OCTOBRE‎

‎ Musée de l'Ain 1963 un volume in-8°, 139 (8) pp., couverture illustrée. (couverture un peu tâchée et légèrement marquée). Catalogue d'exposition consacré à Gustave Doré (aquarelles, dessins..). 24 planches hors-texte et quelques reproductions en noir dans le texte. Peu courant.‎

‎A la mode. L'art de paraître au 18e siècle.‎

‎<meta charset="utf-8"><p data-mce-fragment="1">L'histoire du costume et de sa représentation au siècle des Lumières est autant l'illustration réelle d'une culture matérielle qu'une création de l'imaginaire. Au 18e siècle, la naissance de la mode est d'abord celle de nouveaux métiers et d'une presse spécialisée, et constitue le signe d'une transformation accélérée de la société. Le style français, porté à la fois par l'aristocratie et la haute bourgeoisie urbaine, s'impose dans toutes les cours et les villes d'Europe. Pour la première fois, la confrontation d'oeuvres picturales avec des costumes du 18e siècle permettra d'explorer une nouvelle mise en scène du corps, entre l'exigence sociale et les caprices du goût. L'exposition réunit près de 200 objets du 18e siècle, issus des grands musées textiles (Musée de la Mode de la Ville de Paris, Musée des tissus de Lyon, Musée de la toile de Jouy, Musée de la Chemiserie et de l'Élégance Masculine) et de beaux-arts (Nationalmuseum de Stockholm, Rijksmuseum d'Amsterdam, Victoria and Albert Museum de Londres, Versailles, Louvre, Ecouen, Nantes, Dijon, Tours, Orléans..). Des tableaux emblématiques (La Duchesse de Polignac d'Élisabeth Louise Vigée Le Brun et La Marchande de modes de François Boucher, Nationalmuseum de Stockholm) côtoieront textiles précieux dessins inédits, vêtements et accessoires, dont certains spécialement restaurés pour l'exposition. Le parcours de l'exposition se déploie en quatre univers distincts, comme autant de facettes qui explorent le lien entre les peintres et la fabrique de la mode. Le premier chapitre de l'exposition s'attache à démontrer l'accélération des phénomènes de mode, autant en peinture que dans le vêtement, dans un jeu de compétition entre les élites dirigeantes et les classes montantes. Le deuxième chapitre met en scène les peintres comme acteurs de la « fabrique de la mode », ils se révèlent les vrais ancêtres des couturiers et créateurs de mode : de fait, ils inventent silhouettes, motifs textiles, décors d'accessoires, d'objets de poche et de toilette, tout en réalisant les dessins pour la presse spécialisée. Le troisième chapitre, « Fantaisies d'artistes », explore les liens entre des mondes picturaux imaginaires - fêtes galantes de Watteau et Lancret, pastorales enchantées de François Boucher - et des vêtements devenus iconiques grâce à eux. Enfin la dernière partie, « Pour une histoire du négligé-déshabillé », porte un regard inédit sur la vogue grandissante du négligé dans le vestiaire masculin et féminin, de la robe de chambre à la robe empire, des voiles des vestales au déshabillé antique. Elle met en lumière l'évolution d'une nouvelle silhouette féminine, qui s'allonge et se simplifie jusqu'au monochrome blanc. Avec À la mode, le Musée d'arts de Nantes et le Musée des beaux-arts de Dijon, en partenariat avec le Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, confirment leur volonté d'associer une véritable exigence scientifique sur un sujet peu exploré dans les expositions sur le 18e siècle, à une ouverture sur un large public.</p> Nantes, 2021 SNOECK 600 p., très nombreuse illustrations couleur, broché. 23 x 29 cm‎

‎Neuf‎

‎CEIJA STOJKA, Une artiste rom dans le siècle.‎

‎<meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">L'exposition de La maison rouge réunit pour la première fois en France plus de cent cinquante oeuvres de l'artiste rom Ceija Stojka, née en Autriche en 1933. Déportée à l'âge de dix ans, elle survit à trois camps de concentration, Auschwitz-Birkenau, Ravensbrück et Bergen-Belsen. C'est à cinquante-cinq ans, qu'elle rompt le silence et se lance dans un fantastique travail de mémoire, lequel donne naissance à plusieurs récits et à plus d'un millier d'oeuvres, encres, gouaches et acryliques sur toile ou papier, alors qu'elle est autodidacte. Elle devient ainsi la première femme rom rescapée des camps de la mort à témoigner de son expérience concentrationnaire, contre l'oubli et le déni, contre le racisme anti-rom ambiant en Autriche et en Europe. L'ensemble de ce qu'elle laisse à sa mort en 2013, donne la sensation d'un grand journal sans chronologie, où peintures et écrits, s'entremêlent pour restituer les souvenirs cauchemardesques d'une enfant sur ce qu'on appelle Samudaripen ou génocide tsigane. Ce catalogue, réalisé à l'occasion de l'exposition, s'attache à restituer fidèlement l'esprit de l'artiste, sa singularité, sa force de vie et dévoile un travail pictural hors du commun.</span> Paris, 2021 FAGE éditions. 200 p., Broché. 22 x 27 cm‎

‎Neuf‎

‎Marc Chagall. Vitraux et sculptures‎

‎ Nice, Musée National Message Biblique Marc Chagall / Paris, Réunion des Musées Nationaux, 1984. In-8 carré. Broché. Couverture illustrée en couleurs. 111 pages. llustrations NB et couleurs, légendées. Bibliographie. Exposition qui eut lieu du 7 juillet au 8 octobre 1984 à Nice. Nous y joignons un carton d'invitation pour l'exposition "Marc Chagall, rétrospective de l'oeuvre peint" qui eut lieu à la Fondation Maeght du 7 juillet au 15 octobre 1984. Bon état. ‎

‎Chaïm Soutine/ Willem de Kooning. La peinture incarnée.‎

‎<meta charset="utf-8"><span data-mce-fragment="1">Le musée de l’Orangerie présente une exposition faisant dialoguer les œuvres de Chaïm Soutine (1893–1943), peintre de l’École de Paris d’origine russe (actuelle Biélorussie) et de Willem de Kooning (1904–1997), expressionniste abstrait américain d’origine néerlandaise. Cette exposition s’attachera plus spécifiquement à explorer l’impact de la peinture de Soutine sur la vision picturale du grand peintre américain. Soutine a en effet marqué la génération des peintres d’après-guerre par la force expressive de sa peinture et sa figure d’"artiste maudit", aux prises avec les vicissitudes et les excès de la bohème parisienne. Son œuvre a été particulièrement visible aux États-Unis entre les années 1930 et 1950, moment où l’artiste figuratif de tradition européenne est relu à l’aune des théories artistiques nouvelles. La peinture gestuelle et l’empâtement prononcé des toiles de Soutine conduisent critiques et commissaires d’exposition à le proclamer "prophète", héraut de l'expressionnisme abstrait américain.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">C'est précisément au tournant des années 1950 que Willem de Kooning entame le chantier pictural des Woman, toiles dans lesquelles se construit un expressionnisme singulier, entre figuration et abstraction. L'élaboration de ce nouveau langage correspond au moment où le peintre convoque l’univers artistique de Chaïm Soutine et s’y confronte. De Kooning découvre les tableaux de son prédécesseur dès les années 1930, puis à la rétrospective qui consacre le peintre au Museum of Modern Art à New York en 1950. Il sera particulièrement marqué ensuite par la présentation des toiles de Soutine dans les collections de la Fondation Barnes de Philadelphie, où il se rend avec sa femme Elaine en juin 1952.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Mieux que tout autre artiste de sa génération, de Kooning a su déceler la tension entre les deux pôles apparemment opposés de l’œuvre de Soutine : une recherche de structure doublée d’un rapport passionné à l’histoire de l’art, et une tendance prononcée à l’informel. L’œuvre de Soutine devient alors une référence permanente pour l’artiste américain. De Kooning, qui cherche à dégager sa peinture de l’antagonisme art figuratif / art abstrait en élaborant une 'troisième voie' originale, trouve dans l’art de Soutine une légitimation de sa propre pratique.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">L'exposition mettra en dialogue les univers singuliers de ces deux artistes au travers d’une cinquantaine d’œuvres articulées autour de thématiques essentielles : la tension entre la figure et l'informe, la peinture de la "chair", la pratique picturale "gestuelle" des deux artistes.</span><br data-mce-fragment="1"><span data-mce-fragment="1">Ces moments thématiques seront ponctués de remises en perspective historiques, par l’évocation de la rétrospective de Soutine au MoMA en 1950 et de la visite de de Kooning à la Fondation Barnes en 1952.</span> Paris, 2021 Hazan 230 pages, très nombreuses illustrations couleur, broché. 24,5 x 31‎

‎Neuf‎

‎Dictionnaire de l'objet surréaliste.‎

‎<p>Comment concilier l'appel au rêve et le souci du réel, la psychanalyse et le matérialisme dialectique ? La question se pose au surréalisme à la fin des années vingt, lorsque le mouvement, fondé par André Breton, se met «au service de la révolution«. Cette allégeance suppose une remise en cause du statut social de l'artiste, de la fétichisation marchande des ses oeuvres, à quoi répond l'invention de l'objet surréaliste. Soupçonné de déviance «idéaliste« par les instances du Parti communiste, André Breton reconsidère les premiers «objets à fonctionnement symbolique« par rapport au «contenu manifeste« et aux liens avec l'inconscient et les puissances du désir par trop explicite. L'«Exposition surréaliste d'objets«, organisée en 1936 à la galerie Ratton, marque le point d'orgue de la réflexion surréaliste appliquée à l'objet. Elle rassemble des «objets mathématiques«, des masques inuits, des minéraux, un tamanoir empaillé, et quelques objets surréalistes. La période de la guerre voit le transfert des questions relatives à l'objet à une nouvelle génération de sculptures. De Picasso à Mimi Parent et Miro), s'impose un art qui fusionne objets trouvés et collages, renouant avec la création originelle, scripturaire et plastique du surréalisme. Ce dictionnaire-catalogue qui accompagne l'exposition «Le surréalisme et l'objet«, présentée au Centre Pompidou du 30 octobre 2013 au 3 mars 2014, retrace les étapes d'un questionnement, d'une création, qui provoque l'avènement de l'objet, fait proliférer la figure du mannequin et conduit à la mise en scène des expositions.</p> Paris, 2013 Gallimard 331 p., illustrations couleur N/B, cartonnage éditeur sous jaquette. 20 x 24,7‎

‎Neuf‎

‎Eléments terre. En quête de découvertes archéologiques sur le territoire rémois.‎

‎<p>Ce catalogue vient enrichir l’exposition avec des textes et des illustrations qui développent les sujets traités dans le cadre de l’exposition. Le contexte réglementaire de l’archéologie préventive, les métiers et spécialités de l’archéologie, mais aussi les techniques de construction, la production et la consommation, les rites et les pratiques funéraires, du néolithique à la période contemporaine, sont ainsi évoqués, en s’appuyant sur des exemples rémois et champenois de fouilles récentes.</p> Milan, 2014 96 p., illustrations couleur, broché. 24 x 24‎

‎Neuf‎

‎Ludique. Jouer dans l'antiquité‎

‎<p>Ce projet (Veni, vidi, ludique) avait été initialement conçu en 2014 par le musée de Nyon Dans l'Antiquité, comme aujourd'hui, le jeu est omniprésent dans la vie quotidienne. Tout le monde joue, des plus jeunes aux plus âgés, libres et esclaves, femmes et hommes, à la ville comme à la campagne. Même les dieux jouent. Mais jouait-on hier autrement d'aujourd'hui ? Les jeux variaient-ils selon l'âge, le sexe et le statut social ? Les hommes jouaient-ils avec les femmes ? Les enfants avec les parents ? Que sait-on encore de ce qui amusait, mais aussi éduquait les enfants il y a 2000 ans ? L'exposition mettra en scène la place des jeux et jouets au cours de la vie, de la petite enfance à l'âge adulte. Depuis les hochets du tout-petit, en passant par les jouets mobiles, les « poupées , les « dînettes ou les osselets, l'exposition s'intéressera également aux jeux collectifs ou jeux de société. L'exposition se penchera sur le rôle du jeu dans la vie privée et publique, et mettra en évidence les fonctions profanes ou sacrées des jouets qui ont souvent constitué des offrandes lors des rites de passage à l'âge adulte. Parallèlement, l'Antiquité grecque et romaine représente aujourd'hui pour les éditeurs, les créateurs et les joueurs une formidable source d'intérêt. De très nombreux jeux sur le thème de l'Antiquité, jeux de plateau, jeux vidéo, ont été édités au cours de ces quinze dernières années. Mais quelle est l'image de l'Antiquité véhiculée par ces jeux ? Se sont- ils inspirés des recherches archéologiques ou plutôt des séries télévisées ou du cinéma ? Qu'en pensent les archéologues et le public ? Cette réflexion servira de toile de fond à l'espace jeux à la fin du parcours d'exposition. </p> Gent, 2019 Snoeck 143p., nombreuses illustrations, cartonnage éditeur. 23 x 28‎

‎Neuf‎

‎Société d'aquarellistes français. 1885. Septième exposition. Catalogue.‎

‎ P., Jouaust, 1885, in 4° broché ; nombreuses reproductions ; petites taches sur le titre et le premier feuillet. ‎

‎ADAN (Emile) - CAZIN (Charles) - DELORT (Charles) - FRANCAIS (F.L.) - LE BLANT (Julien) - LELOIR (Maurice) - LEMAIRE (Madeleine) - MAIGNAN (Albert). PHOTOS SUR DEMANDE. ...................... Photos sur demande ..........................‎

‎J. Dubuffet : parachiffres, mondanités, et autres peintures de 1975.‎

‎ Musée des Arts Décoratifs, Paris, 1976. 15,5 x 24 cm broché, couverture illustrée à rabats. Non paginé. Nombreuses reproductions dont 4 en couleurs. Textes de Gaëtan Picon et François Mathey. Exposition du 23 janvier au 23 février 1975.‎

‎Bon état. Photos de tous nos ouvrages sur demande‎

‎English romanesque art 1066 - 1200.‎

‎ Arts Council of Great Britain, / Weidenfeld and Nicolson, London, 1984. 21 x 26 cm broché, couverture illustrée en couleurs. 416 pages. 32 pages de reproductions couleurs, très nombreuses illustrations en noir et blanc. Exposition à la Hayward Gallery, Londres, du 5 avril au 8 juillet 1984.‎

‎Coins légèrement défraichis. Photos de tous nos ouvrages sur demande‎

‎La Civilisation romaine de la Moselle à la Sarre. Vestiges romains en Lorraine, au Luxembourg, dans la région de Trèves et en Sarre.‎

‎ Philipp Von Zabern, Mayence, 1983. 20,5 x 23 cm cartonnage éditeur. 359 pages. 46 planches en couleur et 346 illustrations en noir et blanc. Exposition au Musée du Luxembourg à Paris du 6 au 31 octrobre 1983.‎

‎Cachet sur page de garde. Photos de tous nos ouvrages sur demande‎

‎Gainsborough 1727-1788‎

‎Paris, Ed de la Réunion des Musées Nationaux 1981, exposition Grand Palais février-avril 1981, ill couleurs et noir et blanc, bro, 215 p‎